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The theme of the suggestive scene is the central moment in the life of St. Agatha, young martyr patroness of Catania who, according to legend, converted to Christianity first refused the flattery of the governor Quinziano and then to abjure her faith and sacrifice to the pagan gods; imprisoned, she was subjected to the torture of the amputation of the breasts. This episode became a favorite subject of painting for the richness of pathos and the possibility of theatrical interpretation that it offered. In particular in the first half of the seventeenth century have been identified six types of interpretation of the scene: S. Agatha asleep while S. Agatha in the middle of the night, and S. Agatha in the middle of the night. Particularly in the first half of the 17th century, six types of interpretation of the scene have been identified: St. Agatha asleep while St. Peter enters her cell, the woman intimidated and surprised by the unexpected sight, the demure woman who refuses the care of the man, who dialogues with him almost in a theological dispute, absorbed and asleep while she lets herself be cured, and finally in ecstasy who receives the cures, entrusting herself to the Most High; finally, there is the scene of the saint left alone in her cell surrounded by angels. The work presented here proposes the scene of the saint in and ecstatic attitude, comforted by and angel holding a candle while Peter approaches her with a jar of ointment and his right hand raised: the use of candlelight as a source of light, inside the scene itself and radiating onto Agatha's face and breast, stands out in the composition, together with the composure of the figures, even in the pathos of the moment, which underlines the ecstatic concentration and spiritual significance of the episode. This representation is found almost identical in a group of six works, placed in different locations, whose attribution has been the subject of academic study and discussion: the most credited hypothesis has long been that of Sergio Benedetti, who attributed them all to Rustichino, stage name of the painter Francesco Rustici. It has also been discussed on a possible derivation Caravaggio of the work, but the compositional mode with the figures stuck in and ecstatic dimension, together with the use of a source of light inside the scene, do not seem attributable to the powerful dynamism and the use of lights outside the scene that distinguish the Caravaggio. The critic Luigi Agus, in a detailed study, comes instead to define the six works as replicas all of different hands, coming rather from a single area, more than workshop, but certainly not all attributable to Rustichino, although it would seem the most reliable candidate for the authorship of at least one of them. According to Agus, some pictorial peculiarities would refer the original prototype (now lost) to a Nordic artist, Joachim von Sandrart (1606-1688), active in Rome between 1629 and 1635, while the replicas, almost certainly datable to the 1640s, for their non-homogeneous qualities (chromatic differences, different details, above all different stylistic settings) would suggest a small group of artists gravitating in Rome in the same circles as the German painter. The replica proposed here comes from a private collection and was sold at auction in 1999 and 2002, restored and re-presented in a stylish frame.
Das Thema der suggestiven Szene ist der zentrale Moment im Leben der heiligen Agatha, der jungen Märtyrerin und Schutzpatronin von Catania, die der Legende nach zum Christentum konvertierte und zunächst die Schmeicheleien des Gouverneurs Quinziano zurückwies, um dann ihrem Glauben abzuschwören und den heidnischen Göttern zu opfern; im Gefängnis wurde sie der Folter der Amputation der Brüste ausgesetzt. Diese Episode wurde zu einem beliebten Thema der Malerei, da sie reich an Pathos war und die Möglichkeit einer theatralischen Interpretation bot. Insbesondere in der ersten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts haben sechs Arten der Interpretation der Szene identifiziert worden: S. Agatha schlafend, während S. Agatha in der Mitte der Nacht, und S. Agatha in der Mitte der Nacht. Vor allem in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurden sechs Arten der Interpretation der Szene identifiziert: Die heilige Agatha, die schläft, während Petrus ihre Zelle betritt, die Frau, die von dem unerwarteten Anblick eingeschüchtert und überrascht ist, die sittsame Frau, die die Fürsorge des Mannes ablehnt, die sich mit ihm fast in einem theologischen Disput unterhält, vertieft und schlafend, während sie sich heilen lässt, und schließlich in Ekstase, die die Heilung empfängt und sich dem Allerhöchsten anvertraut; schließlich gibt es die Szene der Heiligen, die allein in ihrer Zelle zurückbleibt, umgeben von Engeln. Das hier vorgestellte Werk zeigt die Heilige in ekstatischer Haltung, die von einem Engel getröstet wird, der eine Kerze hält, während Petrus sich ihr mit einem Salbgefäß und erhobener rechter Hand nähert: Die Verwendung des Kerzenlichts als Lichtquelle, die in der Szene selbst und auf das Gesicht und die Brust von Agatha strahlt, sticht in der Komposition hervor, ebenso wie die Gelassenheit der Figuren, selbst im Pathos des Augenblicks, die die ekstatische Konzentration und die spirituelle Bedeutung der Episode unterstreicht. Diese Darstellung findet sich fast identisch in einer Gruppe von sechs Werken, die sich an verschiedenen Orten befinden und deren Zuschreibung Gegenstand wissenschaftlicher Untersuchungen und Diskussionen war: Die anerkannteste Hypothese war lange Zeit die von Sergio Benedetti, der sie alle Rustichino, dem Künstlernamen des Malers Francesco Rustici, zuschrieb. Es wurde auch über eine mögliche Ableitung des Werks von Caravaggio diskutiert, aber die Kompositionsweise mit den ineinander verkeilten Figuren und die ekstatische Dimension, zusammen mit der Verwendung einer Lichtquelle innerhalb der Szene, scheinen nicht auf die starke Dynamik und die Verwendung von Lichtern außerhalb der Szene zurückzuführen zu sein, die Caravaggio auszeichnen. Der Kritiker Luigi Agus kommt in einer detaillierten Studie zu dem Schluss, dass es sich bei den sechs Werken um Repliken handelt, die alle von verschiedenen Händen stammen und eher aus einem einzigen Bereich stammen, mehr als aus einer Werkstatt, aber sicherlich nicht alle Rustichino zugeschrieben werden können, obwohl er der zuverlässigste Kandidat für die Urheberschaft von mindestens einem der Werke zu sein scheint. Laut Agus weisen einige malerische Besonderheiten darauf hin, dass der ursprüngliche Prototyp (der heute verloren ist) einem nordischen Künstler, Joachim von Sandrart (1606-1688), zuzuordnen ist, der zwischen 1629 und 1635 in Rom tätig war, während die Repliken, die mit ziemlicher Sicherheit auf die 1640er Jahre datiert werden können, aufgrund ihrer inhomogenen Eigenschaften (chromatische Unterschiede, unterschiedliche Details und vor allem unterschiedliche stilistische Einstellungen) auf eine kleine Gruppe von Künstlern schließen lassen, die sich in Rom in denselben Kreisen wie der deutsche Maler bewegten. Die hier angebotene Replik stammt aus einer Privatsammlung und wurde 1999 und 2002 auf einer Auktion verkauft, restauriert und in einem stilvollen Rahmen neu präsentiert.
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